(Re)penser le féminin à la lumière des images (fixes et/ou en mouvement)

Séance proposée par Khadija Benfarah et Nessrine Naccach

 

Ces derniers temps sont complexes. Cette période nous contraint malencontreusement à rester confiné chacun. e chez soi. Alors : réfléchir ? Regarder par sa fenêtre ? (D’)écrire ? Hier, c’était quelque chose d’ordinaire, ni plus ni moins. Aujourd’hui, c’est devenu un minuscule acte de bravoure (ou du moins c’est ce que nous pensons). Entre annuler cette séance qui nous tient très à cœur ou la reprogrammer pour l’année prochaine, nous avons choisi de vous en livrer une version plutôt numérique. Une sorte de” Rencontre virtuelle ” donc, « un séminaire à distance », on s’est dit pourquoi pas ?

Vous trouverez dans ce qui va suivre les contributions qui ont défié les circonstances pour nous parvenir, en espérant qu’elles puissent répondre à quelques-unes de vos attentes. N’hésitez pas à nous faire part de vos éventuelles remarques/ questions et à participer activement en commentant  🙂

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Les images imprègnent notre quotidien dans la mesure où elles marquent de plus en plus les pratiques artistiques et médiatiques contemporaines. Elles conduisent ainsi à rétablir en quelque sorte les idées et les différents genres dans le champ de la création artistique tout en instaurant de nouveaux cadres visuels créatifs et originaux qui renouvellent les différentes formes de représentations classiques. Plusieurs artistes (écrivains, cinéastes, photographes, etc.) expérimentent différents supports pour mettre en avant leur perception du monde. Cette séance du séminaire des Jaseuses « Représentations des féminités par les femmes* » entend interroger cette part de renouveau qu’apportent les images aux productions artistiques et aux imaginaires, d’un point de vue féminin. Elle se veut aussi l’occasion d’échanger autour de la question de la représentation des femmes par et à travers les images, qu’elles soient fixes (l’exemple de la photographie), ou en mouvement, c’est-à-dire animées et l’on pense notamment au cinéma. Que se passe-t-il quand c’est une femme* qui se sert d’une caméra pour raconter le monde, pour dire sa façon d’être-au-monde ? Quelles seraient la nature et les spécificités de son approche, de son œil féminin ?

 

Doctorante en littérature comparée, rattachée au CERC et qui travaille sur le roman maghrébin de langue française, l’esthétique du documentaire arabe et le cinéma de Pedro Almodóvar, Sana M’Selmi nous propose une réflexion à partir d’une étude de deux films tunisiens : C’était mieux demain يا من عاش  – un documentaire sorti en 2012 – et Noura rêve نورة تحلم qui est une fiction datant de 2019. Son objectif est non seulement de saisir les portraits des femmes arabes, à distance de la lecture stéréotypique de la notion-femme, découlant d’un certain imaginaire nourri aux récits exotiques et orientalistes, mais aussi de voir comment le cinéma fait par des femmes porte un regard d’une grande acuité sur les femmes, et comment ce regard est lui-même porteur d’un élan de résistance. Un élan qui re-figure la féminité dans la société.

Merci beaucoup à Sana et bon visionnage !

 

Les subalternes parlent.  Aïda, Noura et les autres. Portraits de femmes entre ombre chinoise et parole crue

 

 

Ensuite, Khadija Benfarah, une Jaseuse, vous invite à découvrir la pratique photographique d’Adèle Godefroy qui est artiste photographe et doctorante en littérature française et comparée à Paris III. En répondant aux questions posées par K. Benfarah, A. Godefroy aborde son rapport à la photographie en s’appuyant sur sa propre pratique. À cette occasion, nous la remercions, une nouvelle fois, pour sa bienveillance, sa patience et sa disponibilité.

Bonne lecture !

 

C’est à 17 ans qu’Adèle Godefroy a commencé à prendre des photographies au cours d’un voyage caritatif au Mali (2008). Depuis, ce sont ses périples en France et à l’étranger, durant lesquels elle parcourt sac au dos plusieurs centaines de kilomètres par an, qu’elle développe sa pratique. Autodidacte, elle a construit une esthétique de sa photographie qui s’est longtemps défendue d’avoir été empêchée : sans formation, c’est directement au contact du réel et de ses contraintes qu’elle a développé sa pratique, négociant ses temps libres pour se consacrer à sa passion. Amateur, elle l’est au sens où faire image est devenu fondamental pour dire son exprimer, évacuer son amour du monde. Au fond, elle photographie pour survivre à son regard, toujours en alerte, parfois jusqu’à l’épuisement. Elle a partagé sa fascination pour l’image en animant des ateliers écriture/image en France et à l’étranger ( Thaïlande, Bolivie, Pérou, Colombie, Suède, Espagne, Chine, Tunisie).Elle a organisé des expositions participatives (« Watching Literature » à Paris et Hong-Kong) et publie des reportages en ligne (http://www.adelegodefroy.com/). Ces dernières années, elle s’investit dans des projets pédagogiques et elle développe des ateliers créatifs croisant écriture et photographie (Cours de licence « Écrire l’image » à la Sorbonne-Nouvelle, cours de DU Création littéraire à l’Université de Cergy- Pontoise).

 

« L’image n’a pas de sexe ». Rencontre avec la photographe Adèle Godefroy

 

Vous avez commencé à photographier pendant un voyage au Mali qui a déclenché en vous une irrésistible fascination pour les images photographiques. Pourriez-vous revenir sur ce point de départ et nous en dire davantage ? Quel était le sujet de vos premières photos et comment cette passion a-t-elle pris forme ?

En réalité, c’est à Rome en 2007 que j’ai pour la première fois appuyé sur le déclencheur d’un appareil photo. J’étais au lycée, et je découvrais ce que c’était d’avoir plus de huit heures de cours d’arts plastiques par semaine (bac littéraire, option arts) : mon premier voyage scolaire avec ma classe. Mais même si j’ai ramené de ‘belles images’, comme tout le monde, j’ai senti par la suite que ce n’était pas là-bas que tout s’était joué. La rencontre avec le Mali en 2009 est une première bascule : paradoxalement, c’est la fois où la pratique de la photographie ne m’a jamais parue aussi inconfortable.  Ce voyage était organisé par un collectif de volontaires qui est  né dans  le  cadre d’un  atelier  solidaire :  il  avait  lieu  une  fois  par  semaine  avec  un  professeur  de biologie du lycée, originaire de Bamako. J’en garde des souvenirs très vifs : la chaleur étouffante et la poussière rouge dont est chargé l’air qui font que tu as très rapidement une double peau ; une posture schizophrène et un double regard aussi, pour te protéger des heurts – de la lumière extraordinaire d’être aussi insoutenable, des regards, des petits ventres gonflés qui n’auront pas le temps de mourir… Je crois avoir gardé depuis un sentiment de rage et d’impuissance d’avoir accueilli un drame sans l’avoir accueilli. D’avoir fait partie du clan des toubabous. J’ai vécu là-bas une cohabitation de lieux intimes contradictoires : l’impression d’être déplacée, de subir, de faire subir, d’être accueillie et aimée de façon inconditionnelle, de sentir dans ma chair toutes les dimensions du vital.  Comme si ma peau, mes narines et mes yeux avaient brûlé juste le temps nécessaire. Je suis revenue avec très peu d’images de ce voyage, et elles sont aujourd’hui dispersées ou je ne sais plus du tout où perdues dans un disque dur. Mais je peux dire que le Mali a déclenché la photographie, oui. Mes premières images sont donc nées là où la photographie ne m’a jamais parue aussi coupable et aussi nécessaire. Coupable : à 18 ans, j’ai réalisé que photographier sans prévenir revenait à voler une âme, et faire mourir (c’est peut- être d’ailleurs en partie pour cela que j’ai mis des années à faire du portrait par  la  suite..). Nécessaire : l’image m’apparait aujourd’hui comme le langage dans lequel je me suis réfugiée quand j’ai manqué de mots pour dire, ou quand le bruit m’est devenu insupportable.

 

Je suis extrêmement touchée par la manière dont vous racontez cette première rencontre “inconfortable”, comme vous le dites, avec le monde imaginaire des photos. Vous voulez dire que photographier est certes un acte nécessaire dont vous éprouver le besoin, mais également un acte de vol, voire même de viol ? Comment avez-vous donc pu prendre des portraits de personnes inconnues que vous ne connaissez pas pendant vos voyages ? Comment procédez-vous pour le faire ?

Il y a plusieurs choses qui me passent par l’esprit quand je lis vos remarques. Au fond, je dirais que j’ai le  sentiment  de  ne  pas  avoir  le  choix :  lorsqu’une  situation,  un  sujet,  un  objet accapare mon champ de vision, j’ai beaucoup de mal à le laisser de côté, à faire comme si je ne l’avais pas vu. Lorsque j’ai l’appareil photo avec moi, ce n’est pas un hasard : je me suis d’avance ‘autorisée’ à le prendre, à laisser libre champ à cette pulsion. C’est donc quand je pars marcher, le plus souvent, car c’est un moment où je suis dans un espace qui n’appartient qu’à moi et je n’aurai pas l’impression de devoir me justifier sur mes absences, par exemple, si j’étais accompagnée.  J’ai  donc  très  souvent  la  sensation  de  devoir  remplir  ma  jauge  d’avoir  trop longtemps  résisté  à  l’absence  de  pratique :  ça  devient  insupportable,  il  faut  que  je  parte.  La photographie  s’impose  pour  ‘tenir’  le  reste  du  temps  quotidien  où  l’appareil  photo  n’a  pas  sa place ou si peu. Je dis ça aujourd’hui avec une plus grande sérénité car j’ai compris que c’est de cette attente, parfois frustrante, que mes images se nourrissent. Il y a des images dont je sais que  j’aurai  seulement  quelques  secondes  devant  moi  pour  les  saisir.  Regardez par  exemple celle-ci :

 

Un  nuage  menaçant  s’est  en  quelques  minutes  introduit  dans  le  paysage  d’été  idyllique  d’une petite plage du pays basque. Panique générale : les parents hurlent, les serviettes et les pots en plastique s’envolent. J’ai aperçu un couple fuyant la plage avec hâte vers le parking où je venais d’arriver après plusieurs heures à longer la côte. Et un éclat : cette tâche jaune, toute petite, et bientôt  la  petite  fille  trainant  du  pied  derrière  ses  parents.  Tout  en  elle  est  décalage :  sa démarche calme et assurée, cette couleur parasite. Je sais que j’aurai une seule tentative, peut- être  deux,  mais  pas  davantage.  Je  sais  que  je  ne  veux  qu’Elle.  Alors  vite,  le  poteau  pour m’ancrer. Les parents passent, la petite sur leurs talons. Elle traverse.

La première ne me satisfera pas, je le sais en appuyant sur le bouton : la petite m’a repérée, et mon  cadrage  n’est  pas  bon.  Il  me  reste  une  seconde  pour  tenter  le  tout  pour  le  tout,  et  le panneau me permet de trouver un ancrage brutal, essentiel. Elle traverse.

Il y a donc beaucoup de hasard dans les images. Comme ce détail sur le mur : la couleur saumon en rappel de la serviette jaune. Aujourd’hui, je pense que si j’avais été dans la même situation, je n’aurais eu qu’une image : j’ai appris à faire confiance à ce qui se présente, à ne pas ‘tricher’ en démultipliant les prises de vue.

Dans cette situation, je n’ai donc pas gêné, je n’ai pas volé, je n’ai pas dévêtu. Vous parlez de viol dans  l’image.  Je  suis  d’accord  avec  cela.  C’est  là  toute  la  difficulté  selon  moi :  j’évite  le  plus souvent de ‘voler’ les images sans m’être explicitement manifestée au regard de mes figurants. En même temps, les photos où l’on viendrait poser devant mon appareil ne m’intéressent pas. Lorsque  je  veux  vraiment  une  image,  je  fais  avec  cette  difficulté  en  restant  un  temps  parfois conséquent dans l’espace (le village, un coin de rue..) : il suffit d’un regard pour sentir qu’on y est accueillie  puis,  très  vite,  oubliée  dans  le  décor.  Alors  commence  la  récolte.  Mais  il  y  a  des choses qui doivent toujours rester en coulisses…

 

Pensez-vous que votre point de vue de femme influence en quelque sorte votre pratique photographique ou le regard que vous portez sur le monde ?

Je crois que j’ai mis beaucoup de temps à assumer ma féminité. Si vous m’aviez posé cette question il y a quelques années, j’aurais sans doute buté encore plus dessus que je ne le fais ce soir. Mon éducation ou mon parcours m’amènent aujourd’hui à reconnaître que j’ai longtemps associé féminin et sensibilité, féminin et fragilité. Qu’est-ce que c’est, un point de vue féminin, dans la photographie ? Pourquoi la photographie a-t-elle longtemps un territoire masculin ? L’image n’a pas de sexe : l’opérateur disparait derrière l’appareil. C’est une situation confortable où je me suis toujours sentie libre d’être. Si mon point de vue de femme influence aujourd’hui ma pratique, c’est, je crois, dans l’intérêt que j’ai longtemps eue pour la photographie de visages masculins. Particulièrement des hommes âgés. Comme s’ils incarnaient une figure paternelle auteur, au sens d’une autorité sage, inspirante. Des sillons, des creux, des lignes de vie mystérieuses. Aujourd’hui, le regard que je porte sur les corps change : il y a de plus en plus de peau, de désir de portraits, de désir tout court.

 

Il est vrai qu’on constate une présence récurrente des figures masculines dans vos travaux photographiques. Cela dit, vous photographiez aussi des sujets féminins mais leur présence n’est pas aussi importante que les sujets masculins. Est-ce qu’on pourrait y voir une sorte de détournement délibéré de votre part peut-être ?

Non, je crois que c’est surtout inconscient.

Est-ce que la photographie a apporté quelque chose d’inédit à votre vie quotidienne ?

J’attends le jour où la photographie fera partie de ma vie quotidienne. Où elle ne sera pas seulement cette parenthèse ‘autorisée’ dont je vous parlais l’autre jour. Pour l’heure, je crois que ma pratique de la photographie persiste dans la façon dont je m’arrête sur certains détails qui accrochent mon regard et qui vont faire que subitement je m’absente de tout ce qui se passe autour. Michel Butor parle d’une « hyperconscience » du photographe qui fait qu’il a, qu’il le souhaite ou non, d’ailleurs, un « viseur dans la tête ». C’est parfois très parasitant ! Mais cela me permet par exemple de rester aujourd’hui confinée sans faire usage de mon appareil photo, par exemple : je continue à cadrer, sans l’appareil.

Ce point-là est très intéressant : prendre des photos sans pour autant recourir à l’appareil photographique. Je comprends donc qu’à ce stade, c’est la « mémoire photographique » qui rentre en jeu et qui permet ce processus de captation. 

La mémoire, au sens de l’opération de cadrer, opération intégrée dans mon disque dur, oui.

Sur votre site, on voit que vous maniez différents moyens d’expression puisque vous accompagnez certaines de vos photos d’écriture (je pense notamment à « Racines » et à « Compostelle juillet 2015 »). Pouvez-vous nous expliquer ce rapport que vous tissez entre texte et image et est-ce que cette pratique vous est-elle venue spontanément ?

Depuis quatre ans, mon travail de thèse est l’occasion d’observer la façon dont l’écrivain Michel Butor accompagne des images de photographes avec son écriture. Je réalise combien rien n’est dû au hasard. Comment écrire à partir des images ? L’image a-t-elle besoin du texte pour la soutenir ? Peut-on voir sans dire ? Dire sans montrer ? Je crois que ces questions sont au fondement de mes propres paradoxes : j’ai toujours dit avoir “un problème avec l’écriture” et me suis réfugiée, je le répète, dans la saisie de photographies, comme la petite fille qui ne supporte plus le bruit. Pour autant, l’image est toujours beaucoup plus sonore pour moi.  Mais c’est vrai que j’ai beaucoup réfléchi à la place de l’écriture dans ma pratique : dans « Compostelle », ce sont des fragments de carnet de route. Dans « Racines » ou « Pèlerins XXI », ce sont des textes dits ‘de reportage’, tout comme les images : ce sont des traces de vie auxquelles j’ai voulu adjoindre une voix off. Mais on pourrait regarder les images seulement : en lisant les textes, on a des images supplémentaires, c’est tout. Je crois que selon moi texte et image sont des moyens d’expression à part entière : on peut les faire résonner, mais ils demeurent indépendants. Je travaille actuellement à un projet de recherche-création pour ma thèse, et ce sont ces problématiques auxquelles je me heurte : pour la première fois, je vois quelque chose… en écrivant. Mais j’écris surtout lorsque j’ai raté l’image, ou lorsque je l’ai volontairement manquée pour ne rien perdre de la situation, de mon regard : l’écriture vient rattraper, alors, l’image absente. Mais elle est d’abord image. Comme les images sont toujours des écritures.

 

 

Est-ce qu’on pourrait supposer que cette écriture accompagnant vos photographies est révélatrice de la portée intime de votre travail ?

Exactement. En voici quelques bribes…

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